Chi sono i finalisti della 7°edizione del “MAST Photo Grant”?

Chi sono i finalisti della 7°edizione del “MAST Photo Grant”?

Laura Tota · 1 mese fa · Photography

Fino all’1 maggio 2023, la Fondazione MAST di Bologna ospita i progetti finalisti del “Mast Photo Grant on Industry and Work”, una selezione biennale di giovani fotografi che ha lo scopo di documentare e sostenere l’attività di ricerca sull’immagine, la trasformazione che essa induce nella società e nel territorio e il ruolo del lavoro per lo sviluppo economico e produttivo.
Gli spazi del MAST, aperto dal 2013, sono accessibili gratuitamente e presentano una serie di opere e interventi permanenti, cui sono associati progetti temporanei che analizzano la tematica del lavoro principalmente attraverso l’indagine fotografica.
Sotto la curatela di Urs Stahel, i cinque autori finalisti del Grant, portano negli spazi dell’istituto di ricerca un’analisi kaleidoscopica il cui campo di indagine si muove tra presente, passato e futuro della relazione tra lavoro, uomo e società.

Stahel spiega come lo sguardo di artisti più giovani costringa a “scontrarci con incongruenze, fratture, fenomeni e forse perfino abissi che finora avevamo trascurato o cercato di non vedere”.
Concentrare il campo di ricerca sul lavoro è sintomatico di quanto questo influenzi la vita delle generazioni che si sono succedute scuotendole nelle loro fondamenta: assistiamo negli ultimi 250 anni a una “Rivoluzione permanente”, evoluzione di quella “Industriale”, in cui l’innovazione si pone come paradigma da perseguire a tutti i costi e in cui si delinea una nuova figura, quella del “Lavoratore permanente”, che necessita di un apprendimento costante e continuativa, pena la sua stessa sparizione.

I progetti dei 5 lavori finalisti, esposti con un’impeccabile attenzione per i set up e gli allestimenti, affrontano i mutamenti che interessano la rapida trasformazione del mondo del lavoro. 
Il poetico racconto di Keep the Light Faithfully e delle storie mancate/reali messe in scena dalla fotografa sudafricana Lebohang Kganye si realizza in un teatro di ombre cinesi esteticamente perfetto, grazie a un’illuminazione che avvolge sagome di personaggi comuni fotografati, ritagliati e applicati su cartone.

Dall’emozione si passa all’analisi chirurgica e precisa di Salvatore Vitale che in Death by GPS analizza il legame tra la gig economy e l’attività mineraria nella regione del Gauteng, in Sudafrica. Nell’allestimento, curato dall’exhibit designer Andrea Isola, il blu elettrico delle pareti ricorrente in ambito tecnologico, dialoga con i colori fluo delle cornici realizzate da una stampante 3d, richiamando così il mondo industriale e suggerendo una riflessione sul ruolo dell’uomo nello sperimentare l’avvento di una nuova rivoluzione tecnologica. 

Mast Photo Grant | Collater.al
Mast Photo Grant | Collater.al

Visioni e analisi contrastanti che restituiscono una lettura dell’universo-lavoro, delineandone anche le evoluzioni nel tempo e l’influenza sul tessuto sociale e territoriale: ne sono un esempio il progetto vincitore di questa settima edizione, In Praise of Slowness di Hicham Gardaf e quello di Farah Al Qasimi.
Nel primo, l’elogio della lentezza diventa lo strumento analitico attraverso cui indagare le contraddizioni di Tangeri (città natale del fotografo) che vive una forte tensione tra la sua parte più prospera, florida e in espansione e il fascino antico del suo centro storico. Il ritmo lento e l’ampio respiro dell’allestimento restituiscono visivamente il passo calmo e riflessivo delle persone e dei venditori ambulanti che popolano il cuore della città marocchina, così come le tonalità calde scelte a corredo cromatico degli spazi.

Verte sul concetto di coesistenza invece, l’indagine di Red River Blues (Dearborn) di Farah Al Qasimi, che si concentra sulla grande comunità araba di Dearborn, nel Michigan, città natale di Henry Ford nonché sede storica della Ford Motor Company: anche questa realtà urbana mostra un carattere ibrido, espressione di due culture, quella araba e quella statunitense. L’autrice trasmette negli spazi allestitivi un sentimento di rinegoziazione continua delle identità culturali e territoriali attraverso un collage che ricorda la pittura murale urbana. Sono presenti le medesime sovrapposizioni e codificazioni personali e culturali, capaci di ridefinire continuamente la propria permanenza nel luogo.

Mast Photo Grant | Collater.al
Mast Photo Grant | Collater.al

Di impatto è il progetto di Maria Mavropoulou In their own image, in the image of God they created them. Il tema della relazione tra uomo e tecnologia è caro all’autrice greca che nel corso degli anni ha indagato e continua a indagare le modalità di creazione delle immagini attraverso le nuove tecnologie. Nel progetto, la fotografa ricorre all’intelligenza artificiale, inserendo una serie di prompt di testo in un algoritmo text-to-image: ‘Una struttura complessa e sofisticata di tubi, valvole, manometri, usati nelle raffinerie di petrolio’. Vengono così generate immagini che attingono a un database iconografico praticamente infinito. Una volta scelta l’immagine più idonea, Mavropoulou giunge al risultato finale moltiplicando le tessere, specchiandole, sdoppiandole e moltiplicandole fino a creare qualcosa che sia allo stesso familiare e perturbante per l’osservatore. I grandi formati delle stampe catapultano il visitatore all’interno dell’immagine, facendolo sentire parte di un ingranaggio meccanico e suscitando la riflessione sugli sviluppi futuri delle intelligenze artificiali in relazione al mondo del lavoro.

La mostra raccoglie anche i vincitori del Grant delle passate edizioni ed è visitabile gratuitamente fino all’1 maggio.

Chi sono i finalisti della 7°edizione del “MAST Photo Grant”?
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I paesaggi interiori di Tetyana Maryshko 

I paesaggi interiori di Tetyana Maryshko 

Giorgia Massari · 4 giorni fa · Photography

La foschia dell’incertezza, giunta con l’avvento della pandemia e della successiva guerra ucraina, ha travolto la fotografa Tetyana Maryshko, tanto da portarla a realizzare un progetto fotografico di lunga durata in cui ricerca inesorabile la propria essenza. Attraverso un percorso fatto di onestà verso sé stessa, la fotografa ucraina esplora la sua interiorità realizzando autoscatti in cui fonde elementi personali e relazionali. “Ci siamo io, la macchina fotografica e la verità” dice l’artista.
Ogni fotografia cattura un riflesso, una conversazione, un istante fermo nel tempo che dialoga con la sua anima. Gli scatti, in bianco e nero e a colori, tentano di andare oltre l’estetica del soggetto, applicando un velo di sfocatura che impedisce la chiara lettura dell’immagine, oppure inserendo superfici texturizzate davanti all’obiettivo, come un vetro bagnato o un foglio di pluriball. Altre volte invece la fotografia è chiara e nitida, come il suo scatto nella vasca che fa trasparire una certa sofferenza. Lo sguardo è perso nel vuoto, gli occhi arrossati trasudano pianto e disperazione mentre le labbra serrate comunicano impotenza, quella sensazione che ogni essere umano prova davanti alla guerra.

Un elemento che ricorre spesso nelle di Tetyana Maryshko è il fiore, posto in dialogo con il corpo: posizionato lungo la colonna vertebrale o davanti agli occhi, per coprire lo sguardo, simboleggiando una volontà di rinascita. Tetyana racconta come sia stato un lungo percorso, difficile e travagliato: “Quando rivolgiamo la macchina fotografica verso noi stessi, intraprendiamo un viaggio alla scoperta di noi stessi che richiede introspezione e vulnerabilità… Alla fine, questo progetto non è stato solo un viaggio personale, ma universale. Una testimonianza dell’esperienza umana.

I paesaggi interiori di Tetyana Maryshko 
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20 foto bellissime dall’archivio storico di Condé Nast

20 foto bellissime dall’archivio storico di Condé Nast

Tommaso Berra · 3 giorni fa · Photography

Venezia è una città di tesori, gemme sparse per la città e custodite nei palazzi della laguna, come per esempio Palazzo Grassi, che da qualche giorno ospita una mostra che raccoglie alcune di queste gemme, 407 tra fotografia e illustrazioni provenienti dall’archivio storico di Condé Nast.
Il titolo della mostra è “CHRONORAMA. Tesori fotografici del 20° secolo” ed è la prima esposizione mondiale dedicata alle opere – recentemente acquistate dalla Pinault Collection – provenienti dagli archivi della casa editrice americana fondata nel 1909 che pubblica tra gli altri Vogue e Vanity Fair.
Nelle bellissime sale di Palazzo Grassi la selezione è divisa in decenni, partendo dal 1910 e arrivando fino al 1979, raccogliendo lo straordinario lavoro di artisti come Irving Penn, Helmut Newton, Ugo Mulas Cecil Beaton e tanti altri, che hanno saputo intuire la potenza delle immagini nel secolo che ne ha sancito l’importanza artistica e sociale.

Le immagini mostrano ovviamente fotografie di moda, ma anche di architettura, nature morte e ritratti di icone del ‘900, partendo da figure politiche come Charles de Gaulle e J.F. Kennedy arrivando ad artisti del calibro di Pablo Picasso, Igor Stravinsky o Charlie Chaplin. Tante anche le foto di figure femminili, modelle come Twiggy e Veruschka ma anche Dr. Mary Walker, attivista per i diritti delle donne che nel 1911 veniva ritratta su Vanity Fair con indosso un paio di pantaloni, una scelta insolita per l’epoca ma che racconta tanto del contesto storico di queste fotografie.
la mostra sarà aperta al pubblico fino al 7 gennaio 2024 e nel frattempo, aspettando la vostra visita, il museo ha anche realizzato “Chronorama. Istantanee dal Novecentoun podcast in tre episodi prodotto da Chora Media che accompagna il visitatore a una lettura più chiara e approfondita delle opere.

CECIL BEATON, Standing portrait of General Charles de Gaulle, 1944, Vogue © Condé Nast
CECIL BEATON, Paternoster Row, London, after bombing, 1940, Vogue © Condé Nast
TONI FRISSELL, WAAC (Women’s Army Auxiliary Corps) officers sitting under hair dryers, 1943, Vogue © Condé Nast
PAUL HIMMEL, The Isetta car parked beside the glass-stair-railed apartment Moretti, 1954, Vogue © Condé Nast
EVELYN HOFER, Frank Lloyd Wright, 1959, Vogue, © Condé Nast
JEAN HOWARD, Marlon Brando, 1951, Vogue © Condé Nast
LUSHA NELSON, Heavyweight boxing champion Joe Louis, 1935, Vanity Fair © Condé Nast
DUANE MICHALS, Two models in an office looking at negatives, 1976, Vogue, © Condé Nast
DORA KALLMUS, Tsuguharu Foujita, 1928, Vanity Fair © Condé Nast
GEORGE HOYNINGEN-HUENE, Josephine Baker, 1927, Vanity Fair © Condé Nast
GEORGE HOYNINGEN-HUENE, Igor Stravinsky seated with a hat, 1927, Vanity Fair © Condé Nast
IRVING PENN, Mr. and Mrs. Henri Cartier-Bresson, 1946, Vogue © Condé Nast
FRANCO RUBARTELLI, Veruschka, head-to-head with a cheetah, 1967, Vogue © Condé Nast
BERT STERN, Actor and director Anthony Newley playing with two models, 1963, Vogue © Condé Nast
BERT STERN, Twiggy wearing a mod minidress by Louis Féraud and leather shoes by François Villon, 1967, Vogue © Condé Nast
STRAUSS-PEYTON STUDIO, Actor Charlie Chaplin, 1921, Vanity Fair © Condé Nast
PAUL THOMPSON, Dr. Mary Walker, the first woman to wear trousers in public, c. 1911, Vanity Fair © Condé Nast
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Brice Gelot, per l’amor di Dio

Brice Gelot, per l’amor di Dio

Tommaso Berra · 2 giorni fa · Photography

Per l’amor di Dio è un’espressione che esprime un’immagine della religione intesa come soluzione di salvezza, spesso associata a un senso di insoddisfazione o impazienza. È di uso comune, inserita nel linguaggio tanto quanto la religione stessa è pervasa, per ragioni molteplici e complesse, nella società.
“For the love of god” (“per l’amor di Dio” appunto) è anche il titolo della serie fotografica dell’artista francese Brice Gelot, che Collater.al pubblica in anteprima in versione integrale. Lo sguardo è quello verso la religione – quella cristiano cattolica in particolare – intesa come sistema socio-culturale di comportamenti, che supera spiegazioni razionali tendendo alla trascendenza. Sta forse in questo non esaurirsi mai di significato nel mondo reale il successo dell’arte religiosa nel corso dei secoli, chiamata a interpretare e raffigurare simboli sempre uguali che però assumono di volta in volta significati nuovi.

Fotografare la fede diventa per Brice Gelot espressione del reale. Osservare come le persone affrontano le sfide della natura e fotografarle significa vivere in prima persona una vita di fede, che diventa uno strumento di comprensione e analisi di ciò che è sacro e profano.
Negli scatti di Gelot emerge come la religione faccia parte dell’esperienza umana e come rappresenti una forza capace di plasmare il mondo che ci circonda e la sua rappresentazione estetica. Tattoo, statue, icone, nicchie per la venerazione dei santi, l’immaginario artistico di queste fotografie non è metafisico ma reale, vive lungo le strade e sulla pelle delle persone.

Brice Gelot | Collater.al
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Brice Gelot, per l’amor di Dio
Photography
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Lise Johansson e la non-appartenenza ai luoghi

Lise Johansson e la non-appartenenza ai luoghi

Giorgia Massari · 5 giorni fa · Photography

Perché sentiamo di appartenere ad alcuni luoghi e non ad altri? Si interroga la fotografa danese Lise Johansson (1985). Da questa riflessione parte la sua ricerca, basata sull’analisi del rapporto tra l’uomo e l’ambiente che abita. Molto spesso le nostre case rappresentano ciò che siamo, sono il riflesso della nostra anima e del nostro carattere. Minimal o barocche, total white o colorate, ricche di oggetti oppure asettiche; in ogni caso, costruiamo ambienti su misura per noi, in cui sentirci a nostro agio e che diano forma alla nostra persona. Ma quando usciamo fuori casa e ci troviamo a rapportarci con altri ambienti, come il luogo di lavoro, uno studio medico o la casa di un nostro amico, entrano in gioco fattori esterni che non possiamo controllare e con cui siamo costretti a interfacciarci. Lise Johansson ragiona su queste dinamiche inconsapevoli che regolano la psicologia inconscia.

Nella serie intitolata I’m not here, la fotografa realizza una serie di autoscatti all’interno di un ospedale abbandonato. L’ambiente è asettico e di una desolazione inquietante in cui il bianco domina inesorabile. La luce del giorno entra dalle finestre, talvolta in contrasto con quella artificiale, accentuando la potenza cromatica del bianco, evidenziato ancor di più dalla carnagione lattiginosa della fotografa e dal suo abito lungo candido, tipico dei pazienti ospedalieri.
Il rapporto tra il soggetto e l’ambiente non risulta essere rilassato. Si percepisce una tensione malinconica, tipica dei soggetti rinchiusi all’interno di un luogo. La figura sembra quasi vagare come uno spettro, il suo volto non è mai visibile a causa dell’inquadratura fotografica e, negli altri casi, è nascosto dentro o dietro un oggetto – come un lavandino o uno specchio. Questo particolare consente alla donna di essere presente nello spazio ma allo stesso tempo di non abitarlo, come se la sua mente provasse a evadere in altre direzioni, cercando una via di fuga. Così come il soggetto, anche l’ambiente è vulnerabile, fermo in un limbo e sottoposto a trasformazioni. Il luogo esiste, come la donna, ma sono entità dimenticate, senza status e completamente svuotati di un’anima.

Lise Johansson e la non-appartenenza ai luoghi
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