Prima di scrivere questo post mi sono documentato sul Furry. Wiky dice che si tratta di un fandom (comunità di fan) di immaginari personaggi animali antropomorfi con personalità e caratteristiche umane. Ma questo non è tutto.
In rete ci sono diatribe sull’aspetto fanatico/maniacale che questa sottocultura assume sfociando nell’esplorazione sessuale anonima.
Mascherati da peluche, i Furries escono dalle lore tane digitali per esplorare motel ad ore e accoppiarsi in maniera bastarda con altri Furries di qualunque specie.
Un accoppiamento così insolito da destare l’attenzione del fotografo Michael Cogliantry, che come i migliori reporter di National Geographic ci consegna in pasto una serie di scatti che sembra provenire da una Disneyland per adulti. Una Amsterdam del peluche, una cucciolata di 69, una specie senza rischio di estinzione. A cuccia, ora.
Amore o odio? Il rapporto fraterno negli scatti di Karolina Wojtas
L’infanzia, per quanto gioiosa e spensierata, nasconde spesso risvolti drammatici. È origine di traumi complessi che si protraggono nella vita adulta e, per questo, è uno dei temi più esplorati dalla psicologia e anche dall’arte. La giovane fotografa polaccaKarolina Wojtas (1996) ne è affascinata. I suoi progetti traggono ispirazione dai ricordi e dalle fantasie dei bambini, in un’ottica che oscilla tra l’ironia e la tragedia. La sfera infantile dalla quale Karolina Wojtas attinge la porta ad investigare spesso su se stessa e sul suo passato. Nel progetto dal titolo “We can’t live – without each other”, riflette sul rapporto di odio-amore con il fratello minore. Dinamica estremamente comune e diffusa, nella quale molti possono riconoscersi.
La serie è intima, ironica e cruda allo stesso tempo. Karolina, parlando di questo progetto, racconta come fino all’età di tredici anni era figlia unica, e così voleva rimanere. “Ogni volta che i miei genitori mi chiedevano dei miei fratelli, io dicevo loro: << Prendo un’ascia, li uccido!!! e poi li mangio!!!>>. Un giorno è arrivato lui e la nostra guerra è cominciata…Ora ho 26 anni e la guerra continua, non è cambiato nulla.“
Il titolo stesso, letteralmente “Non possiamo vivere – l’uno senza l’altro”, nasconde una contraddizione, tipica dei rapporti fraterni. Da un lato l’odio, dall’altro l’amore. Da un lato l’impossibilità di vivere a stretto contatto, dall’altro il non poter far a meno della presenza reciproca. La rivalità e la gelosia che sfociano talvolta in amore, talvolta in vere e proprie lotte. Le fotografie infatti offrono una visione intima delle tipiche battaglie tra fratello e sorella, ma con risvolti estremi e violenti, portati all’eccesso. La giocosità, espressa dai colori saturi, rimanda ad una sfera divertente e leggera, mentre le immagini comunicano in modo diretto il lato più crudo del litigio. Uno scatto mostra il volto del fratello insacchettato, un altro un braccio bruciato dal ferro da stiro e un altro ancora è completamente riempito dai segni di morsi violenti.
La mostra della serie in questione, svoltasi a Varsavia alla Galleria Naga nel 2020, è di per sé un invito per lo spettatore a fare esperienza di questa dinamica bivalente. La genialità dell’allestimento esprime da un lato la sfera giocosa, permettendo allo spettatore di giocare con le foto stesse, riprodotte in formato enorme ed appese alla parete a modi “calendario”, mentre dall’altro crea una situazione di disagio.
Amore o odio? Il rapporto fraterno negli scatti di Karolina Wojtas
Photography
Amore o odio? Il rapporto fraterno negli scatti di Karolina Wojtas
Amore o odio? Il rapporto fraterno negli scatti di Karolina Wojtas
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Luca Marino e la ricerca dell’assurdo
Con un approccio foto-giornalistico, il fotografoLuca Marino ricerca l’assurdo delle situazioni. Nato a Londra da padre italiano e da madre colombiana, Marino è attratto da quei dettagli che spesso passano inosservati, “guardo dove nessun altro guarda” dice lui stesso. Tra le strade della grande metropoli londinese, Luca Marino realizza due progetti: “Oxford Street Paradox” e “Transport for London”.
Nel primo progetto – “Oxford Street Paradox” – è evidente quell’assurdo tanto ricercato dal fotografo, che, a tratti, inganna lo spettatore. Le fotografie catturano i passanti della via dello shopping più frequentata della città – Oxford Street – che appaiono totalmente deformati. Questo effetto non è realizzato in post produzione, Marino infatti scatta la superficie riflettente di un chiostro che crea buffe immagini alterate. Con ironia e leggerezza, il fotografo sfrutta questa “alterazione” naturale per sottolineare come le nostre abitudini di acquisto siano ormai diventate folli, al limite del compulsivo.
Anche nel secondo progetto – “Transport for London” – Luca Marino mostra ciò che spesso non viene guardato ma anzi, ignorato. In questo caso i protagonisti sono i dipendenti dei trasporti di Londra, dagli autobus alla metropolitana. Persone a cui non prestiamo attenzione ma che sono responsabili della viabilità cittadina. Ci permettono di spostarci da un lato all’altro della città, ma rimangono in penombra. Luca Marino, in collaborazione con l’azienda, entra a contatto con il lato nascosto della famosa Underground, fotografando i dipendenti nei loro uffici e nelle loro stanze adibite al riposo. Cattura momenti di pulizia, tra cui la santificazione delle carrozze durante il periodo di emergenza sanitaria dettata dal covid-19.
Chiang Yu-yi, a.k.a. John Yuyi, è una visual artist taiwanese con una storia decisamente fuori dal comune alle spalle. Le sue opere incarnano lo spirito della post-internet generation mettendo in discussione la consumer culture, uno dei temi più ricorrenti nel corso della carriera di Yuyi.
La carriera di Yuyi inzia come fashion influencer ma qualcosa cambia quando si trasferisce a New York nel 2015. Inizia a vendere temporary tattoos per promuovere la sua swimwear collection e col tempo, vi incorporerà illustrazioni, fotografie e simboli provenienti dal mondo dei social media. Un mezzo interessante, quello dei tatuaggi temporanei, che coinvolge la sfera della corporalità come medium ma anche come oggetto di indagine. Questi – insieme alle sue fotografie – hanno reso Yuyi molto popolare non solo sui social ma anche nel mondo dell’arte.
Il processo di documentazione operato da John Yuyi parla della sua esperienza come influencer, del nostro rapporto con i social media e con il nostro corpo. Soprattutto con il viso, la parte del nostro corpo in cui gli altri si riconoscono e che può offrire un senso di rappresentazione reale per lo spettatore. Anche la salute mentale è un tema molto caro a Yuyi che, soffrendo di un disturbo bipolare, ha raccontato il suo malessere attraverso una serie di fotografie, Cell for Young Plant.
Ma non solo arte e fotografia, Yuyi è al lavoro anche su progetti commerciali che l’hanno portata a collaborare con brand e magazine molto importanti. Indimenticabile, la collaborazione dell’anno scorso con MIUMIU dove Yuyi ha immortalato Lee Youm e Ever Anderson per la campagna pubblicitaria della SS22.
Il percorso di John Yuyi dimostra come sia possibile reinventarsi e scoprire il proprio talento artistico partendo da un mondo lontano da quello dell’arte per come lo conosciamo.
Scopri altri progetti di John Yuyi sul suo profilo Instagram.
Nei paesaggi mozzafiato del Kenya, compaiono due meravigliose e gigantesche opere di Saype, pioniere della land art. Un drone ci permette di ammirare le due figure infantili che, in quella che appare come una visione a metà tra la realtà e la fantasia, si inseriscono all’interno di un paesaggio lunare. Le opere sono concepite da Saype per Swatch, che sceglie l’artista in occasione del lancio della nuova collezione Bioceramic MoonSwatch.
Le opere raffigurano due bambini stupiti e curiosi nei confronti dell’universo. La bambina disegna il mondo con un gessetto, il bambino punta una torcia verso il cielo. Le due figure sono connesse tra loro, infatti, se guardate dall’alto, si nota che i due bambini sono rivolti l’uno verso l’altro. D’altronde, la visione aerea è l’unica che ci permette di poterne fruire. Le opere hanno dimensioni stupefacenti: la bambina è alta 60 metri e larga 120, mentre il bambino è alto 120 metri e largo 50. Ma la particolarità delle opere di Saype, oltre alla loro larga scala, è senza dubbio la fugacità. I bellissimi “affreschi” sono infatti realizzati direttamente sul terreno con materiali ecosostenibili creati dall’artista stesso. L’origine biologica dei pigmenti rende le opere temporanee. Sensibili agli agenti atmosferici, possono essere cancellate rapidamente da un temporale o da un forte vento. Questo è quello che è accaduto alle due opere del Kenya. I due bambini, “His Bright Dream” (Il brillante sogno di lui) e “Her Bold Dream” (Il sogno audace di lei), poco dopo la realizzazione sono stati cancellati da una pioggia imprevista, sopravvivendo solo nelle fotografie scattate dai droni.
Saype, ispirato all’universo evocato dalla Bioceramic MoonSwatch, omaggia la magia dello Spazio, da sempre di grande fascino e mistero per l’uomo. Lui stesso afferma: “E anche se, grazie alla scienza, il cielo non è più il tetto divino ma la vertigine dell’infinito, la magia è rimasta intatta. È nel bel mezzo dei paesaggi lunari del Kenya che ho scelto di esprimermi, in un luogo talmente surreale da far perdere ogni punto di riferimento terrestre”.