Il Texas, anche soprannominato The Giant in quanto Stato più grande degli USA, arriva a Milano per una mostra collettiva da Antonio Colombo Gallery. A rappresentarlo, cinque artisti – Adrian Landon Brooks, Sophie Roach, Esther Pearl Watson, Bruce Lee Webb, Adam Young con un ospite d’eccezione, il musicista Tom Russell – che per nascita, formazione o per un periodo di vita hanno assorbito l’anima e la cultura texana. Negli ultimi anni il Texas è considerato come nuova frontiera dell’arte negli States. Sono sorte varie istituzioni private, rinomati architetti hanno completato diversi progetti, il collezionismo è cresciuto e la scena artistica è diventata estremamente attiva. Osservando le opere della mostra Texas Tornados – aperta dal 30 novembre al 3 febbraio – siamo rimasti particolarmente colpiti dal lavoro del muralista Adrian Landon Brooks, affine alla nostra ricerca street. Gli abbiamo fatto qualche domanda, per scoprire di più sul suo percorso.

Le tue opere murarie e le tue illustrazioni seguono una precisa cifra stilistica. Le campiture sono piatte e il simbolismo è evidente. In particolare ci sono riferimenti alla cultura egizia e, più in generale, l’estetica è esoterica. Da dove nasce la fascinazione per questo mondo?

Ricordo di essere andato in una vecchia chiesa cattolica da bambino e di aver fissato tutti i simboli che riempivano l’interno. Non ho mai avuto molto interesse nello studiare cosa significassero quei simboli per le persone che avevano fede nella religione, ma li trovavo visivamente affascinanti anche da bambino. Quell’interesse iniziale è continuato nei miei primi lavori. Mi sono trovato ad integrare aure, mani di lode e simbologie simili senza intenzioni particolari. Ora, dopo che sono trascorsi anni, quell’interesse iniziale si è ampliato fino a diventare quasi un’ossessione per i simboli di diverse culture. Sento di aver creato un po’ della mia mitologia lungo il cammino, ma continuo a godermi l’indagine che la storia offre. Di recente mi sono immerse nei temi egiziani e sto cercando di capire come questi possano collegarsi alla mia visione creativa. Questa serie di lavori mi ha insegnato parecchio sulla narrativa pittorica e sull’eleganza nella semplicità.

L’illustrazione è una conseguenza della tua pratica muraria o sono due pratiche che nascono in parallelo?

Inizialmente, le due pratiche sembravano molto contrastanti l’una con l’altra, soprattutto per i processi creativi completamente diversi. Mi sono avvicinato ai miei primi murales in modo piuttosto meccanico e non ero pronto a considerarli parte del mio corpo di lavoro più ampio. È stato solo col tempo che quei due mondi hanno iniziato a fondersi. Ora i miei murales e il lavoro in studio li percepisco molto come estensioni l’uno dell’altro. Entrambe le pratiche si influenzano costantemente e reciprocamente, aiutando la mia opera a evolversi.

Nei tuoi scenari, astrattismo e narrativa si intrecciano. Il decorativismo delle tue texture incontra gli elementi figurativi che invece raccontano storie. In ogni tua illustrazione c’è la volontà di raccontare una vicenda o l’estetica prevale sul significato?

Direi che a volte ho un’idea vaga di una narrazione all’interno dei miei dipinti, ma di solito si tratta più di un’emozione generale piuttosto che di una storia completa. Mi piacerebbe essere presente nel mio lavoro ma anche lasciare spazio sufficiente per un’interpretazione unica da parte dello spettatore. Detto questo, creo molti lavori che sono completamente guidati dalla composizione, dal colore e dall’estetica. Mi piace il processo di giustapporre diverse immagini, come pattern dai bordi netti con una figura o una pianta morbida.

I due approcci diversi dipendono più da dove sono emotivamente in quel giorno piuttosto che da un obiettivo specifico. Cerco di lasciare la direzione creativa all’universo e seguire un percorso dettato dal subconscio. Mi sono accorto che il processo creativo diventa più difficile quando cerco di controllarne il risultato.

Nella mostra da Antonio Colombo a Milano che mette al centro la scena artistica texana, la curatela mette a contatto il tuo lavoro con altri artisti con le tue stesse origini. Cosa pensi di questo dialogo che si è creato e cosa pensi della scena texana? Le tue origini hanno influenzato il tuo lavoro? Pensi che parte del tuo immaginario provenga dal luogo in cui sei nato e cresciuto?

La mia esperienza crescendo in Texas è probabilmente molto diversa dalla visione generale texana. Ho avuto la fortuna di crescere in una delle città più internazionali dello Stato e per questo sono entrato in contatto molto presto con una comunità creativa. Sono nato ad Houston e ho trascorso i miei anni formativi circondato da musei e gallerie, oltre ad avere un’artista tessile come madre. Alla fine, sono arrivato ad Austin, che ha una lunga storia nella musica ma meno nel campo delle arti visive. Lì ho trovato una comunità che mi ha accolto a braccia aperte, così come molte gallerie gestite da artisti. Quel panorama era guidato dalla comunità artistica stessa e autosufficiente sotto molti aspetti. Negli ultimi dieci anni, questo aspetto è cambiato un po’ soprattutto a causa della crescita della città, ma il nucleo della comunità ha lo stesso spirito che ha sempre avuto.

Per quanto riguarda gli altri artisti in mostra, Sophie Roach e Adam Young li ho conosciuti durante i miei primi giorni a Austin e sono per me persone molto speciali. Fanno entrambi parte della storia che ho appena descritto e continuano a ispirarmi sempre di più ogni anno che passa. Sono anche un fan del lavoro di Bruce Lee Webb ed Esther Pearl Watson, ma più da lontano. Per me è molto stimolante mettere insieme tutti noi e condividere spazi ed esperienze. Credo che il lavoro creerà un vero e proprio dialogo visivo e sarà davvero interessante osservarlo.

Il contesto texano mi ha indubbiamente influenzato, ma specialmente negli ultimi anni. Ho l’abitudine di raccogliere tronchi di legno e oggetti strani, disponibili in natura nel luogo in cui vivo. Le fette di alberi nativi del Texas fungono da tele per molti dei miei dipinti. Immagino di essere attratto da quell’estetica proprio perché sono cresciuto nel Sud e inoltre anche perché, per un periodo, ho vissuto in una zona boschiva con la mia famiglia. Viviamo fuori città, circondati dagli alberi. Per me quella dimensione significa tranquillità, un piccolo angolo di paradiso che mi ha influenzato sicuramente in molti modi.

Dove hai realizzato le tue prime opere murarie? Si nota un enorme cura e attenzione verso gli edifici, così come per le superfici pubbliche sulle quali operi. Quasi le tue illustrazioni si mimetizzano, si adattano al luogo circostante diventando parte integrante del paesaggio senza snaturarlo e senza creare uno shock visivo. Cosa ne pensi a riguardo? Il progetto lo concepisci partendo dall’osservazione del luogo?

Il mio primo murale professionale è stato per la sede di Meta ad Austin, Texas. L’azienda aveva un programma straordinario gestito all’epoca da curatori con una vera passione nel supportare gli artisti locali. Questa opportunità ha veramente influito sulla mia carriera e mi ha mostrato le possibilità che esistevano su larga scala. Indubbiamente il mio obiettivo è che il mio lavoro diventi parte integrante dello spazio che occupa, quindi è molto bello sapere che l’hai percepito così. Quando opero su larga scala, attingo al mio lavoro in studio e lo espando su una superficie più grande. Credo sia possibile catturare lo stesso significato e lo stesso spirito indipendentemente dalle dimensioni. Prima di iniziare il lavoro, dedico parecchio tempo a visitare il luogo su cui devo operare, faccio diversi bozzetti digitali per farmi un’idea precisa. Questo processo mi aiuta a considerare tutti gli elementi esistenti nello spazio e come la mia opera interagirà con l’ambiente circostante.

Courtesy Adrian Landon Brooks & Antonio Colombo Gallery

Siamo tutti in attesa della Miami Art Week, che inaugurerà questo lunedì 5 dicembre. Intorno alla Art Basel Miami Beach sono tantissimi gli eventi collaterali che animeranno la città più importante del Sushine State. Mentre aspettiamo di scoprire cosa ci riserverà questa edizione che, tra gli altri, ospiterà un’opera di JR e di Andrés Reisinger, vogliamo parlarvi di uno dei più famosi musei di street art del mondo, che si trova proprio a Miami. Si tratta del Wynwood Walls, situato nell’omonimo quartiere Wynwood. Un quartiere industriale da poco interamente riqualificato e divenuto punto di riferimento per gli street artists e, in generale, di tutti gli amanti della street art. Ma scopriamo qualcosa in più sul museo e su cosa succederà durante l’Art Week di quest’anno.

In realtà, non si tratta di un vero e proprio museo, o almeno non per come siamo abituati a concepirlo. Come suggerisce il nome, il Wynwood Walls è uno spazio espositivo a cielo aperto costituito da mura che, di volta in volta, cambiano aspetto proprio grazie agli artisti invitati. Questa iniziativa prende vita nel 2009, dall’intuizione di Tony Goldman e Jeffrey Deitch che scelsero questa zona circondata dal verde come cuore pulsante del quartiere, oggi conosciuto per i suoi murales.

Wynwood Walls anticipa l’inizio della Miami Art Week con una nuova esposizione, inaugurata qualche giorno fa. Il titolo è The Power of Purpose e, in questo senso, è importante sottolineare che ogni mostra da loro organizzata si basa su un tema specifico, con l’intenzione di veicolare un chiaro messaggio. Questa volta è proprio l’intenzione a essere il messaggio. In altre parole, The Power of Purpose parla dell’importanza «di trovare il nostro scopo individuale e collettivo e farlo con gentilezza, empatia, integrità e umanità», e lascia il pubblico con una domanda «Qual è il tuo scopo?». Gli artisti coinvolti sono Greg Mike, The London Police, Lauren.Ys, Shok-1, Defer, Sandra Chevrier, Mojo, Leon Keer e Dan Lam. Proprio quest’ultimo, presenterà il 3 dicembre la scultura A Subtle Alchemy che diventerà parte del museo.

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Una stanza semi buia, pareti curve in alluminio e un grande sole in neon che irradia i colori dell’alba. Si tratta dell’installazione interdisciplinare Il Resto dell’Alba, realizzata dall’artista Patrick Tuttofuoco (1974), in collaborazione con Pininfarina Architettura, per il MAN di Nuoro. Un’esperienza soggettiva che, nelle parole della curatrice museografa Maddalena D’Alfonso, «pone il visitatore al centro di quello che per noi è uno dei possibili paesaggi dell’arte, dove ci si muove alla ricerca di noi stessi». Una dimensione atemporale e atipica nella quale passato, presente e futuro coesistono. Nonostante la sua forma, che in termini di realizzazione può apparire futuristica, l’opera invita gli spettatori a immaginare un ambiente “d’ora in poi”, con la consapevolezza del passato e senza imporre una visione distopica o utopistica, sempre più diffusa nell’immaginario dell’arte contemporanea. In parole più descrittive, Il Resto dell’Alba è come un’ellisse con i suoi due fuochi che guardano al sole in quanto rappresentazione del reale e del possibile ma che, allo stesso tempo, guardano al passato, qui incarnato dalle piccole sculture nuragiche risalenti a tremila anni fa e prestate dal Museo Archeologico Nazionale di Nuoro e di Cagliari.

L’alba come messaggio di speranza

Il Resto dell’Alba propone dunque uno scenario che sembra provenire dal metaverso, con forme e colori alle quali ci stiamo ancora abituando, ma che vuol essere quanto più vicino a un futuro imminente e immaginabile, in un certo senso innaturale ma che lascia posto al binomio natura-tecnologia. L’idea stessa di alba descrive un momento di passaggio, dalla notte verso il giorno e per questo diventa “il momento del possibile“. È qui che l’aurora dà forma a un messaggio di speranza, un modo per l’artista di prendere coscienza del presente in cui viviamo e offrire una visione che non esiste ma che ipotizza una soluzione. Lo stesso Patrick Tuttofuoco afferma che oggi più che mai «è il momento in cui bisogna progettare più di prima e non ricordarci soltanto quanto sarà brutta la nostra fine, perché sicuramente non ci porterà da nessuna parte. Anzi, è solo un dovere della cultura, in senso ampissimo, cercare di riproiettare l’uomo in un futuro che non segua solo delle istanze distopiche adatte a delle serie TV, ma in uno scenario in cui questo dramma viene gestito.»

Dall’idea alla realizzazione

La storia e il processo creativo di quest’opera dall’effetto wow, è altresì sorprendente e interessante. «Il progetto nasce due anni fa, quando ci fu un bando di concorso per la ristrutturazione del Museo del Novecento di Milano», spiega Maddalena D’Alfonso, «Patrick e io abbiamo iniziato a teorizzare una serie di paesaggi diversi, uno marino, uno montano, uno stellare e così via. Avevamo un’idea verso cui dirigerci. Il tema dell’aurora e della speranza nasce quindi a Milano in un momento apicale, ma è qui che ha preso forma». A seguito dunque di un progetto rifiutato, forse perché troppo visionario e poco tradizionale, D’Alfonso e Tuttofuoco trovano nel MAN di Nuoro il luogo perfetto per rendere tangibili le loro idee e, ancora di più, scoprono nel confronto teorico con Pininfarina Architettura – in particolare nella figura dell’architetto Giovanni de Niederhäusern -, la possibilità di dar vita a un’installazione che interpreta la nuova frontiera del virtuale.

Il Resto dell’Alba è un vero e proprio spazio. Un luogo esperienziale generato con strumenti di prototipazione virtuale. In altre parole, la struttura è composta da 539 strips di alluminio (naturale Prefa) progettate con strumenti di design parametrico di tipo generativo e poi tagliate con la tecnica mesh clustering, un particolare processo che ottimizza l’uso del materiale e per questo ne riduce gli sprechi. In questo senso arte, artificio e umano sperimentano una coesistenza che racconta il tempo in modo diverso, dando vita a uno spazio non rigido ma quanto piuttosto malleabile e ipotizzabile dal singolo, qui incredibilmente centrale.

Il Resto dell’Alba di Patrick Tuttofuoco è realizzato in collaborazione con Pininfarina Architettura nella figura di Giovanni de Niederhäusern, la curatrice museografa Maddalena D’Alfonso e grazie alla collaborazione dei partner tecnici Materea, Nieder, Alpewa e Prefa, Erco, Brianza Plastica, Stand Up e InLuce. La mostra è visitabile al MAN di Nuoro (Sardegna) fino al 3 marzo 2024.

Ph Credits Alessandro Mori

Graffiti Art in Prison è un progetto nato nel 2021 in seguito all’invito esteso all’artista francese David Mesguich da parte della professoressa Gabriella Cianciolo dell’Università di Colonia. L’obiettivo? Esplorare l’espressione artistica all’interno delle mura carcerarie, una sinergia tra ricerca scientifica, attività educative e coinvolgimento sociale. Il progetto ha preso vita nel carcere di Sollicciano, a Firenze, un luogo isolato dal resto della città, dove un gruppo eterogeneo di artisti, docenti e studiosi si è impegnato a sfidare i limiti della creatività e della percezione sociale organizzando una serie di workshop con i detenuti. Nel 2022, un incontro fortunato tra David Mesguich e la fotografa americana Martha Cooper, ha portato al suo coinvolgimento del progetto dal punto di vista documentaristico.

«La nostra idea era quella di porre l’arte al centro di un dialogo tra passato e presente, tra individui spesso dimenticati e le possibilità di redenzione attraverso l’espressione artistica» afferma David Mesguich. Un aspetto interessante del progetto è il coinvolgimento non solo dei detenuti ma anche delle guardie carcerarie. Il progetto diventa così un vero e proprio esperimento sociale che ha cercato di abbattere le barriere mentali e culturali. «Abbiamo visto emergere legami umani sorprendenti tra guardie e detenuti, durante un’esperienza che ha trasceso la semplice creazione artistica,» afferma un rappresentante dell’amministrazione penitenziaria coinvolto nel progetto.

Il cuore del GAP è stato il processo di creazione di opere d’arte che mescolavano graffiti e installazioni su larga scala. Non privo di ostacoli, il progetto ha dovuto affrontare resistenze da parte delle autorità carcerarie. «Siamo stati costretti a lunghe negoziazioni per ottenere il permesso di realizzare le nostre installazioni, ma non abbiamo mai smesso di credere nel potere trasformativo dell’arte,» afferma David. Le opere realizzate nel carcere di Sollicciano, ormai smantellate, sopravvivono solo attraverso le fotografie di Martha Cooper, preziose testimonianze di un momento in cui le differenze sono state cancellate e la creatività ha superato le barriere del confinamento. «Le immagini che ho catturato all’interno del carcere sono una testimonianza di momenti in cui le barriere invisibili tra individui sono crollate,» racconta Cooper, riflettendo sulla sua esperienza all’interno del progetto.

Courtesy David Mesguich & Martha Cooper