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“Reminiscence of the Present”

È sempre difficile riuscire a catturare l’essenza di un artista, a documentare ciò che succede quando l’ispirazione prende il sopravvento e il corpo cede al bisogno di creatività. Dopo aver visto “Reminiscence of the Present”, però, possiamo affermare che Daniele Fazio ci è riuscito. 

Qualche anno fa Daniele Fazio, regista e creative director di Loft Films, non solo è rimasto colpito da Ilyas Kassam, artista e poeta britannico-indiano, ma il suo lavoro e la potenza della sua arte lo hanno completamente rapito. È da questa ammirazione che è nato “Reminiscence of the Present”, un film di 5 minuti che riesce a trasportarci all’interno del mondo di Ilyas, fatto di azione, di movimento, di pennellate decise, scatti improvvisi, ma anche di parole, di poesia, di riflessioni profonde. 

La camera di Daniele e il corpo di Ilyas si intrecciano in quella che sembra essere una danza che celebra l’arte in ogni sua forma. Noi abbiamo avuto la fortuna di poter fare qualche domanda sia al regista si all’artista, quindi prima di lasciarvi trasportare dalle immagini, non perdetevi le loro risposte. 

Daniele Fazio

Come hai conosciuto Ilyas Kassam e il suo lavoro e come è nata l’idea di realizzare “Reminiscence of the Present”? 

Ho incontrato Ilyas nel 2017 e sono stato subito affascinato dal suo lavoro, che comunicava un senso di delicato equilibrio tra energia viscerale e armonia cosmica.
Poi ho letto la sua poesia e ho trovato una nuova ammirazione anche per la sua opera letteraria. Ho apprezzato la visione di un artista completo, che esprimeva la sua creatività attraverso diversi media.
Fu quando mi invitò per la prima volta nel suo studio per vederlo dipingere che scoprii l’elemento finale della sua arte. Il suo modo di creare era così fisico che mi sembrava ci fosse un aspetto performativo che rendeva il suo processo affascinante quanto il suo risultato.
Fu allora che gli proposi di fare un film su di lui. L’idea gli è piaciuta molto e qualche mese dopo ci siamo riuniti per fare il film.

Per “Reminiscence of the Present” bisognava riuscire a catturare il movimento di Ilyas, la costruzione dell’opera, ma senza togliere spazio alla voce dell’artista. Come hai fatto a creare l’equilibrio tra immagini e parole? 

Penso che il film catturi l’equilibrio tra le immagini e le parole. L’unica ragione per cui funziona è che la voce di Ilyas è così coerentemente articolata attraverso le sue diverse forme di espressione.  La poesia, la pittura e il suo stesso movimento attraverso lo spazio si fanno tutti eco a vicenda e interagiscono in perfetta armonia.

L’aspetto più difficile nel girare un film di questo genere? 

L’aspetto più impegnativo, ma anche piacevole, di girare un film come questo è quello di bilanciare attentamente il desiderio di esprimermi come regista e allo stesso tempo onorare l’identità dell’artista. Spero sempre che il risultato sia un’espressione del mondo dell’artista e un’impressione personale di quello stesso mondo, creando una terza dimensione di espressione, che esiste da qualche parte tra le due. 

Ilyas Kassam

Tu sei uno scrittore e un artista. Quale aspetto ti affascina maggiormente di questi due mezzi artistici e di espressione? 

Amo la fisicità della pittura e il fatto che sia una pratica del corpo. Può imitare in modo molto diretto un movimento. Una singola pennellata può dirti esattamente come si è mosso il pittore in quel momento: Quanto velocemente si è mosso, in quale direzione e con quale sentimento. E attraverso la visione di questo segno su una tela si può quasi sperimentare quel movimento da soli. Ma legato a questa immediatezza c’è qualcosa di molto misterioso – Cosa fa sì che qualcuno scelga (o non scelga) di muoversi in quel modo? Perché si dà precedenza ad alcuni movimenti e non ad altri? E perché alcuni movimenti sono registrati e altri lasciati a indugiare nello spazio? Penso che questo mistero sia ciò che trovo affascinante e che continua a invitarmi a tornare nel processo ogni giorno. Non so mai come mi muoverò, cosa mi guiderà a muovermi e cosa verrà registrato in quel momento.
Amo scrivere quasi per la ragione opposta. Amo scrivere per come il linguaggio è intrappolato. Ha una tale utilità e viene usato in modi così funzionali. Penso che questo significhi che la gente mette tanta pressione su qualsiasi scrittura per essere capita. Ma, costruito nella lingua, è un enorme paesaggio estetico che deriva il suo significato dal suono o dall’aspetto delle parole piuttosto che puramente dalla loro definizione. Tuttavia, nella nostra vita quotidiana, questa sfaccettatura della lingua rimane per lo più nascosta. Questo crea una sfida per scoprire qualcosa nel linguaggio e capire come liberarlo; qualcosa che è profondamente sensoriale e sentito al di fuori della mente. Trovo questo intrigante perché ti costringe a scoprire nuovi aspetti del linguaggio che sono costruiti nella loro struttura ma che sono stati nascosti. Il processo di scrittura diventa allora quasi archeologico, fondato sulla ricerca di spiriti sepolti.
Ma ciò che trovo più interessante è come questi due medium si intrecciano e possono diventare più se stessi stando in presenza l’uno dell’altro. Quasi tutti i miei dipinti includono un qualche tipo di testo, e quando non lo fanno hanno una qualità di scrittura molto evidente che spesso trae ispirazione da antiche tradizioni calligrafiche o asemiche (scrittura senza senso). Allo stesso modo la mia poesia integra quasi sempre qualche componente visiva nel modo in cui è presentata; sia come installazioni che come è strutturata su una pagina. Mi piace vedere l’interazione tra queste forme e come rispondono l’una all’altra. A volte si riflettono a vicenda, altre volte offrono un contrappunto. Ma l’obiettivo è che trovino una sorta di simbiosi, in cui il fisico viene liberato nello scritto e il lessemico sepolto nel visivo. La speranza è che ciò che viene sperimentato sia qualcosa di più integrato – energetico nella sua immediatezza e cerebrale nella sua longevità. 

Come ti prepari all’atto di creazione di un’opera? 

La maggior parte del mio lavoro viene fatto sul pavimento. Di solito scelgo una tela o un foglio di carta e passo un po’ di tempo a farmi un’idea dello specifico foglio di tela/carta – come ci si sente, quanto è freddo, quali texture contiene, come si appoggia in questo spazio attuale e come interagisce con il suo ambiente. Di solito lo faccio sdraiandomi o sedendomi sul foglio e muovendomi intorno ad esso, in un modo un po’ tentacolare, da edera velenosa. A volte faccio un esercizio di respirazione o semplicemente mi ci siedo sopra in silenzio per 20 minuti. Tutto questo aiuta ad aprire il corpo e a rilasciare ogni rigidità che esso trattiene. Ma la ragione principale per cui lo faccio è per dissolvere qualsiasi idea che posso avere. Idee di come voglio che questo quadro appaia, cosa voglio che dica o significhi, e anche dissolvere l’idea che un quadro ha bisogno di essere dipinto. Il processo è molto più incentrato sull’ascolto piuttosto che sul comando o sull’istruzione, quindi questo atto di stare con i materiali prima di fare qualsiasi cosa aiuta a forgiare questa relazione. E poi quando sento l’urgenza di muovermi, prendo qualsiasi pigmento che urla e guardo come il disordine si dispiega.

Com’è stato rivedere il tuo lavoro e il tuo processo creativo condensato in 5 minuti?

Era piuttosto eccitante e contemporaneamente snervante. C’è qualcosa di molto eccitante nel bere solo il distillato, e non dovermi vedere occupato nel banale, o in qualsiasi goffaggine che è una parte involontaria del processo. Ma c’è anche una fluidità o una progressione naturale tra i movimenti che si perde inevitabilmente, non si vede l’accumulo in tempo reale, il che per me è piuttosto eccitante nel momento della pittura, soprattutto perché non so mai cosa sto per fare.
Ma indipendentemente dalla lunghezza c’è sempre qualcosa di incomunicabile in qualsiasi processo creativo che non può mai essere completamente tradotto. Forse è solo che, ora, guardandolo, lo sto vedendo dall’esterno invece di esserci dentro. Ed è una prospettiva meno conosciuta per me, e quindi può sembrare un po’ diversa dalla mia esperienza personale della pittura. Il mondo interiore dell’artista non può mai essere accessibile. Ma penso che Daniel lo riconosca, e fa un lavoro brillante nel cercare di mappare l’esperienza interiore attraverso l’uso del suono, del linguaggio e della prospettiva. E nel farlo, trova davvero l’essenza del processo, in un modo che illustra la tensione tra l’esplosivo e il meditativo – e la calma che si trova tra di essi. È stata una gioia lavorare con un regista così talentoso. 

“Reminiscence of the Present”
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