Amalia Serafimaki ha la capacità di fermare il tempo. Nei suoi scatti, soprattutto quelli subacquei, potremmo essere ovunque e in ogni momento, ma il dove e il quando non hanno più importanza.
La fotografa con base ad Atene cerca in ogni scatto di catturare l’immensità e la forza della natura, in contrapposizione con la fragile bellezza dell’uomo. Veniamo accompagnati in un mondo in cui i corpi di giovani donne si fondono con spigolose rocce, si nascondono tra le foglie, fino a immergersi sotto la superficie del mare dove nulla ha più senso, dove tutto è più lento, ovattato e lontano dal mondo.
Amalia Serafimaki sarà una delle fotografe in mostra a ImageNation Milan, dal 24 al 30 settembre alla Fondazione Luciana Matalon. Per l’occasione abbiamo avuto la fortuna di farle qualche domanda e di farci raccontare come è cominciata la sua passione per la fotografia, cosa vuole raccontare con i suoi scatti e cosa troveremo alla mostra.
Leggete l’intervista qui sotto!
Come hai iniziato ad avvicinarti alla fotografia. C’è un momento particolare che ricordi?
Ricordo di aver visto una macchina fotografica per la prima volta quando avevo circa 10 anni e di esserne rimasta ipnotizzata. Da quel momento in poi ho avuto un enorme desiderio di scoprire il mondo attraverso il mio obiettivo. Non credo che ci sia mai stato un momento in cui non ero sono stata appassionata di fotografia. Ricordo di aver comprato macchine fotografiche istantanee e di essermi persa scattando. Il mondo veniva elaborato senza sforzo attraverso questo modo astratto e non verbale di vedere. Potevo introdurre i miei concetti e le mie esperienze attraverso i colori e le texture, e crescendo non ho mai smesso di farlo.
Descrivi il tuo stile fotografico. Come sei arrivata a questo punto della tua carriera?
Nelle mie foto uso esclusivamente luce naturale. Tendo ad avere una chiara idea preconcettualizzata di ciò che fotograferò, mirando a combinare la mia direzione della scena con l’imprevedibilità della natura. Manipolare la luce naturale permette una condizione di qui-e-ora. Lavoro in modo flessibile per adattarmi alla condizione di luce naturale che credo derivi dal profondo rispetto che ho verso la natura. Dopo anni di sperimentazione, prove, errori e osservazioni, sono un’autodidatta e penso che l’unica chiave per la propria identità artistica sia l’introspezione.
Siamo bombardati dalle opere di altri artisti, da molte fonti d’ispirazione e da una varietà di modi di pensare molto attraenti che possono distrarci e francamente distoglierci da ciò che abbiamo da offrire come artisti individuali. Ho avuto la fortuna di poter ascoltare la mia estetica mentre sviluppavo uno stile personale, che è esattamente ciò che mi ha portato dove sono ora. Questa consapevolezza durante questo processo di sperimentazione è qualcosa su cui posso riflettere in retrospettiva, naturalmente, ed è uno degli elementi che definiscono il mio processo artistico.
Cosa vuoi raccontare attraverso i tuoi scatti?
La natura è sempre stata una grande fonte di ispirazione. Credo che la forma umana sia allo stesso tempo contrastante e armoniosa con gli elementi naturali. È contrastante perché ci siamo evoluti lontano da essa, e armoniosa perché è la nostra casa originale. Chiedo ai miei modelli di chiudere gli occhi e concentrarsi su ciò che li circonda e il più delle volte una narrazione prende vita da sola. Credo che questo senso di familiarità con il naturale sia ciò che voglio rivelare attraverso i miei scatti. Nelle mie fotografie la pelle umana è giustapposta alle rocce che tocca, i capelli seguono il flusso dell’acqua e gli occhi sono chiusi, lasciando andare ogni controllo pur rimanendo presenti. Inoltre, cerco di catturare lo stato umano di solitudine e fragilità che per me è meravigliosamente simboleggiato e vissuto all’interno dell’elemento acqua. La superficie dell’acqua assomiglia a un portale per un mondo segreto, più privato.
Sotto la superficie dell’acqua si è lontani dalle distrazioni e con una capacità limitata di controllare i propri movimenti. Tutto è più lento. Il corpo ha meno tensione, la mente è meno attiva e l’immagine diventa più poetica. Il corpo sta contrastando il suo ambiente vivace nella passività e nell’esporre la vulnerabilità degli elementi naturali. Così nasce uno stato potente ma sensibile, quello in cui una persona espone il suo vero sé lasciandosi andare e abbracciando l’immobilità della mente.
Quale pensi sia la cosa più importante da considerare quando si fanno scatti subacquei?
La parte più importante è la connessione con il modello per sincronizzare le idee e familiarizzare con lo scopo di ogni scatto. Ci sono così tanti simboli che possono avvenire durante la manipolazione degli elementi naturali. Inoltre, ogni modello ha diverse caratteristiche preziose da offrire. Così ho la responsabilità di individuarle e combinarle. È molto importante discutere le riprese prima di immergersi e scattare. La ritrattistica subacquea è una bella coreografia basata sulla fiducia reciproca. Quando ci si immerge, l’esperienza passa dall’essere letterale all’essere simbolica. Senza gravità tutto cade più lento e silenzioso. L’inquadratura in qualche modo è ora composta da come il modello si sente dentro i suoi pensieri e il suo corpo. Ci si affida ai pochi secondi che si hanno a disposizione e il fatto di non poter vedere o parlare chiaramente eleva i sensi creando un’interazione simile alla danza. Inoltre, ciò che mi spinge di più è questo confine tra acqua e aria. La superficie del mare è come uno specchio gigante, un portale o un velo. Quindi, una volta che incoraggio il modello a percepire questa gamma di simbolismo, il suo corpo è invitato a dare il proprio approccio.
Per te e per gli scatti che realizzi, quanto è importante la fase di editing?
Anche se non ritocco molto, la post-produzione il più delle volte ha a che fare con l’elevazione degli elementi surreali della fotografia.
Quando si scatta sott’acqua, la gravità è più complessa e molto spesso guido il modello a giocare con la superficie dell’acqua come se la gravità venisse da qualche altra parte.
Questo viene suggerito sapendo che dopo ruoterò l’immagine in modo che allo spettatore venga offerta una visione più indiretta della realtà.
Un corpo che cade sul fondo del mare può essere altrettanto facilmente percepito come un corpo rimbalzato da un altro mondo (come si vede in “Portal”). Inoltre, la maggior parte delle mie fotografie sono in bianco e nero o hanno colori tenui per dimostrare una presenza più discreta e bassa.
Cosa vedranno coloro che decideranno di visitare la mostra ImageNation Milano a settembre?
ImageNation Milan coinvolge una collezione unica dei fotografi più ispirati, affermati e creativi a livello internazionale. Lo spettatore avrà la possibilità di apprezzare ritratti surreali, terreni, onirici e anche diversi. Questa mostra collettiva fornirà una varietà di prospettive provenienti da molti artisti diversi. Ogni opera sta splendidamente in piedi da sola, ma in qualche modo è in grado di creare un dialogo con il resto, rendendo questa mostra coerente e multidimensionale.
