Yeast Photo Festival rappresenta una vera e propria chicca nell’ambito dei Festival di fotografia in Europa: è infatti uno dei pochi (in Europa) ad aver costruito la propria identità su un unico tema: il cibo. 

Il cibo, argomento catalizzatore e foriero di visioni e suggestioni contemporanee, non è analizzato come mero oggetto/soggetto estetico, ma come sistema complesso che intreccia produzione, consumo, ambiente, economia e relazioni sociali. Nato nel Salento, nel borgo di Matino, un territorio a forte tradizione agricola e segnato da profonde trasformazioni contemporanee, Yeast si presenta da 4 anni al suo pubblico con un programma di mostre diffuse, ospitate tanto in sedi istituzionali quanto in location non convenzionali e con una programmazione che invita a guardare al cibo come dispositivo critico, prima ancora che visivo. A orientarne la visione è la direzione artistica del duo creativo Flavio&Frank, magnifici padroni di casa, e di Edda Fahrenhorst, curatrice attiva tra Italia e Germania, che con il suo sguardo internazionale contribuisce a definire l’identità curatoriale del festival.

In questa intervista entriamo nel progetto di Yeast Photo Festival per capire cosa lo rende un caso specifico nel panorama dei festival di fotografia e come la sua visione culturale si costruisce nel tempo.

Yeast Photo Festival nasce da una visione curatoriale radicale, pressoché unica nel mondo dei festival di fotografia, ovvero quella di focalizzare l’intero progetto sul cibo, non semplicemente come soggetto visivo, ma come vero e proprio campo di indagine capace di raccontarci molto di più: una vera e propria porta d’accesso a questioni sociali, culturali e ambientali. Qual è la visione alla base di questo focus e quali interrogativi volete davvero sollevare attraverso le immagini?

Il cibo è un tema universale ed essenziale. In combinazione con la fotografia – probabilmente lo strumento di comunicazione più immediato e di maggiore impatto culturale –, il tema e le mostre del festival sono progettati per essere accessibili a persone di ogni estrazione ed età. Questo è un aspetto molto importante del nostro lavoro, poiché invitiamo tutti a unirsi a noi nel nostro viaggio.

Le domande che solleviamo si basano sulla situazione attuale e riguardano il cambiamento climatico, le tendenze politiche e i fenomeni sociali. Ma in modo tale che – almeno questa è l’intenzione – non incoraggino le persone a prendere le distanze, ma piuttosto le invitino a riflettere su se stesse e sul proprio ruolo in tutto ciò. Passiamo quindi dall’universalità del generale alla prospettiva più individuale: più i nostri ospiti si impegnano intensamente con gli argomenti, più complesse possono diventare le connessioni con le loro azioni e i loro pensieri.
Questo è un altro principio alla base delle nostre domande: come possiamo creare un programma che soddisfi un’ampia gamma di interessi e, nel migliore dei casi, arricchisca i pensieri delle persone dopo aver visitato la mostra?

Tuttavia, questo non include solo la serietà dei problemi che stiamo affrontando come società: è altrettanto importante infatti dare alla bellezza, alla fotografia, alla comunità, al divertimento e, soprattutto, al cibo un posto di rilievo, sia nelle mostre che intorno a esse. Come ha riassunto quest’anno la direttrice del festival Veronica Nicolardi: il lavoro che si trasforma in INCONTRO, un progetto in UMANITÀ, un evento in COMUNITÀ.

Tra l’altro, l’idea dell’intero progetto è venuta agli altri due direttori del festival: Flavio e Frank Sabato.

Oggi il cibo è praticamente ovunque: dai feed dei social media alla nuova retorica del benessere, ai reportage che cercano di svelarne il lato oscuro, generando una bulimia visiva in cui è facile perdersi. Come si fa a selezionare progetti che vadano oltre l’estetizzazione, capaci di offrire interpretazioni davvero critiche, profonde o inaspettate?

In generale, per essere selezionati per lo Yeast Photo Festival, i progetti devono soddisfare numerosi criteri: la qualità fotografica deve essere molto buona (indipendentemente dal genere), l’opera deve avere un’elevata densità e continuità (in parole povere: devono esserci abbastanza buone immagini per sostenere una mostra), la domanda fondamentale alla base del progetto deve essere almeno bidimensionale e, cosa molto importante, il progetto deve sfidare lo spettatore emotivamente o intellettualmente (e potrebbe persino risultare scomodo) o sorprenderlo. Idealmente, dovrebbe fare tutte queste cose. In definitiva, i singoli progetti devono incastrarsi tra loro come un grande puzzle, in modo che sia efficace sia una narrazione complessiva del tema, che quella delle singole mostre.

Ogni anno, il festival identifica un diverso aspetto del sistema alimentare, affrontandolo da prospettive fotografiche e teoriche in continua evoluzione. Questa selezione richiede una sensibilità precisa. Quali criteri utilizzate per definire quali questioni siano abbastanza urgenti da meritare il focus dell’edizione e come guidate la scelta dei progetti?

I criteri derivano dall’osservazione continua di numerosi canali: piattaforme di informazione autorevoli, riviste (sì, anche quelle ancora cartacee), Instagram, il mondo dei nostri bambini, mostre, festival e dibattiti in varie istituzioni – quali tendenze sociali e politiche siano attualmente in discussione, quali questioni siano più urgenti di altre.
Da questo, e con una certa dose di speculazione sugli sviluppi futuri, emerge il corrispondente tema annuale. Naturalmente, anche il rispettivo focus tematico deve seguire un certo ritmo per non diventare ridondante.
Una volta definito il focus, si apre il grande puzzle tematico di cui parlavo prima. In questo puzzle, ogni progetto deve innanzitutto avere un collegamento con il tema, il che potrebbe non essere sempre ovvio. E poi, soprattutto, ogni tema ha sempre bisogno di un contrappunto, sia in termini di contenuto che di emozioni.
Selezionare i progetti è quasi come una ricetta con tanti ingredienti diversi.

Il Salento è un territorio complesso, ricco di tradizioni agricole, segnato da dinamiche economiche e turistiche spesso contrastanti. Introdurre un festival internazionale di fotografia in questo contesto significa anche assumersi una responsabilità culturale. Come interagisce Yeast Photo Festival con questo ecosistema e quali reazioni, attese o inaspettate, avete riscontrato nella comunità locale?

Il festival è nato originariamente per stimolare l’interesse dei turisti verso la cultura del territorio, in particolare quella dell’entroterra salentino. Ma anche per coinvolgere e ispirare la popolazione locale. La reazione della popolazione locale è caratterizzata da grande apertura e disponibilità nei confronti dei visitatori e degli ospiti di Yeast Photo Festival. Ogni anno ci impegniamo consapevolmente a raggiungere questo tipo di interazione.

Lavorare in un territorio significa renderlo parte dell’identità del festival. Per evitare che un progetto culturale appaia come un intervento “imposto dall’alto” o riservato a pochi (come potrebbe essere percepita la comunità fotografica), è necessario costruire relazioni e coinvolgimento concreti. Quali attività mettete in atto per far sentire alla comunità che Yeast Photo Festival appartiene al territorio ed è stato creato con – e non al di sopra – di chi lo abita?

Innanzitutto, la maggior parte del team proviene dal Salento e ha ottimi rapporti fin dall’infanzia. Questo è, ovviamente, un punto a favore per un progetto così esotico come il lancio di un festival internazionale di fotografia.
Poi c’è un’altra particolarità del festival: è distribuito su tutto il territorio salentino e, sebbene le due sedi importanti, Matino e Lecce, ospitano la maggior parte delle attività e delle mostre, il festival è presente anche in diverse altre località del Salento – e la tendenza è in crescita. É come se ci muovessimo verso la gente.

Inoltre, il festival estende gli inviti a tutti i residenti della regione. Ad esempio, il venerdì sera del weekend di apertura organizziamo una grande festa per tutti: ogni anno sono colpita da come persone di tutte le età si riuniscano per festeggiare.

Dal 2024, il festival ha anche incaricato un fotografo della regione di lavorare a un progetto locale specifico per il sito e proponiamo sempre una campagna che coinvolga i cittadini. Nel 2023, ad esempio, abbiamo chiesto foto tratte dagli album di famiglia che avessero a che fare con il cibo, il che ha dato vita a una mostra davvero incantevole. Quest’anno, ad esempio, abbiamo organizzato un grande banchetto a cui hanno potuto partecipare tutti i residenti, i visitatori, i nuovi arrivati ​​e la gente del posto.
Creare qualcosa come un festival è sempre un processo, ma l’accoglienza e l’interesse per la regione sono grandiosi e rappresentano un importante ponte verso gli anni a venire.

I diversi spazi, dalle masserie agli edifici storici, non sono semplici contenitori: influenzano lo sguardo, costruiscono narrazioni e modificano la percezione del pubblico. L’allestimento non è mai neutro. Come si lavora sul rapporto tra contenuto e luogo per creare un’esperienza espositiva coerente, leggibile e immersiva?

Per le mostre, utilizziamo deliberatamente i luoghi del Salento come sfondo per valorizzare i progetti: le location sono i palcoscenici per la fotografia.
Ogni spazio espositivo è unico e individuale, lontano da qualsiasi situazione di white cube. Luce, spazio, senso dello spazio, funzione, odore: tutti fattori che devono essere armonizzati con le opere che vi saranno esposte.
Ci incontriamo tutti una volta all’anno in Salento e visitiamo insieme gli spazi che potrebbero essere disponibili: alcuni vengono confermati, altri nuovi si aggiungono di anno in anno. Gran parte del processo decisionale per l’assegnazione dei diversi progetti alle varie location avviene in modo intuitivo e a un livello emotivo molto spontaneo: riesco a visualizzare il progetto sulle pareti, tra gli ulivi, in cantina? Già nella fase di progettazione e realizzazione prativa, io e Andrea Isola, l’exhibition designer della mostra, siamo chiamati a mantenere un equilibrio tra fattibilità (molte sale sono edifici storici e, ad esempio, non è consentito intervenire sulle pereti) e visione. Pianificare le mostre di un festival in questo modo richiede grande flessibilità, disponibilità al compromesso e un altissimo livello di precisione e concentrazione, perché nonostante tutta la spontaneità, sono ovviamente necessari un percorso sensato o una buona illuminazione, ma anche rispetto del budget, attenzione alla sostenibilità, efficienza in termini di scadenze durante l’allestimento e molto altro.

Nel 2025, hai lanciato il tuo primo bando per curatori under 35 e over 30. Questa opportunità rivela un’idea specifica dell’ecosistema fotografico, suggerendo che non stai solo cercando nuove prospettive artistiche, ma anche nuovi modi di interpretare, modificare e contestualizzare il cibo, con una visione più orizzontale, dinamica e partecipativa. Che tipo di visione critica manca nel dibattito odierno sul cibo e cosa ti aspetti che un curatore emergente aggiunga, modifichi o metta in discussione all’interno del festival?

Oh, ci sono ancora diverse cose che possono essere viste criticamente o discusse – il tema del cibo e della produzione alimentare resta un argomento molto ampio. Ad esempio: ci sono solo pochi reportage su larga scala, epici e complessi che esaminano i metodi di produzione, la globalizzazione, ecc. dei singoli alimenti o le interrelazioni tra loro. O le condizioni di produzione per le persone che lavorano nei vari paesi. Oppure diverse abitudini alimentari culturali che hanno un impatto sulla salute, sugli ecosistemi, sulla cultura, ecc.
A proposito: sebbene il reportage fotografico e la documentazione siano mezzi eccellenti per raccontare proprio queste storie, al festival siamo completamente aperti ad accogliere tutti i generi fotografici. Ci aspettiamo dal nostro programma di curatori ospiti sfaccettature emozionanti, fotografie emozionanti, un’opinione e una mentalità coerente.

Ogni call è uno specchio del momento: rivela tendenze, fragilità, ossessioni, punti ciechi. Analizzare ciò che arriva significa anche capire come sta cambiando la fotografia di cibo. Quali elementi ricorrenti hai osservato nelle candidature e in che modo queste osservazioni hanno ridefinito – se lo hanno fatto – la tua visione curatoriale?

Ciò che mi ha sorpreso è stato il numero alto di candidature che affrontavano argomenti complessi. Forse perché un “festival sul cibo” suona a prima vista innocuo e giocoso.
Temi belli, semplici e divertenti hanno sempre una loro importanza e una motivazione, ma nel contesto di un concorso di questo tipo, dovrebbero almeno avere un tocco in più e, nonostante la loro leggerezza, non essere spensierati.

Il Premio Irinox, curato da Claudio Composti in collaborazione con Mia Photo Fair, è un riconoscimento importante all’interno del festival e contribuisce a definire l’eccellenza nella ricerca visiva sul tema del cibo. Un premio riflette sempre una visione. Che ruolo gioca il Premio Irinox nel tuo progetto e quali qualità cerchi di evidenziare attraverso questa scelta?

Il Premio Irinox ha come esito una mostra ospitata durante Yeast Photo Festival. E siamo sempre lieti di avere questa opportunità che rappresenta un vero e proprio paradiso per la scelta dei temi. Ci sentiamo molto privilegiati di poter scegliere un tema ogni anno (collegato, ovviamente, al nostro tema annuale). Soprattutto perché la selezione diventa più difficile di anno in anno, visto che c’è sempre crescente qualità  e serietà nei progetti presentati (e serietà non corrisponde necessariamente ad argomenti seri).

Lavorare tra Italia e Germania significa confrontarsi quotidianamente con diversi modi di produrre, comunicare e ricevere cultura visiva. È un osservatorio privilegiato. Cosa ti manca dell’Italia quando lavori in Germania e cosa porteresti qui del modello tedesco? 

Le mie osservazioni si concentrano sempre sulle reazioni del pubblico quando guarda progetti e mostre: sono le persone il motivo per cui facciamo tutto. Questa osservazione per me è più facile in Germania, perché ho potuto interagire con il pubblico in modo più intenso e per molto più tempo.
Le reazioni del pubblico italiano sono sempre molto più spontanee ed emozionati. Penso che sia fantastico e ne traggo molto per il mio lavoro sul prossimo festival.
Per il resto, ci sono davvero molte differenze tra i due paesi… Ma ci sono anche somiglianze dove non te le aspetti. Sarebbe fantastico avere un mix di entrambi i Paesi per quanto riguarda l’interpretazione del tempo: un mix di iper-puntualità e totale laissez-faire sarebbe un sogno rilassante per chiunque, in qualsiasi professione.

La fotografia di cibo sta attraversando una fase di trasformazione: tra clima, geopolitica, etica e nuove questioni estetiche, il settore si sta rapidamente ridefinendo. Quali traiettorie vedi per il futuro di questa ricerca e cosa ritieni essenziale affinché Yeast Photo Festival continui a essere un luogo in grado di aprire nuove domande anziché chiuderle?

Come ho detto prima, ci sono ancora molti argomenti che vale la pena esplorare. Questo richiede pazienza, coraggio, mentalità e opinione, sia da parte dei fotografi (a proposito: allo Yeast Photo Festival non ci limitiamo a lavori puramente fotografici: anche immagini in movimento, testi, grafica, mappe, ecc. sono benvenuti) sia da parte nostra come festival.
Per rimanere un luogo che solleva nuove domande, dobbiamo rimanere consapevoli e porci queste domande, anche se scomode.

In copertina ©Katerina Sysova, Kukbuk, (edizione 2024)